On peut faire du théâtre n’importe où : sur une estrade, à l’église, dans un gymnase, en pleine rue, dans un parc, dans une salle moderne équipée d’un système de son et de projecteurs dernier cri… Une troupe aura du plaisir à s’adapter à toutes sortes d’espaces de jeu. Mais il faut retenir une chose : le bon théâtre évangélique ne dépend pas d’un lieu physique, mais plutôt des hommes et des femmes qui le préparent, dans la prière, avec les moyens que le Seigneur leur a donnés.
Néanmoins, il est intéressant de connaître les espaces de jeu possibles et les avantages de chacun.
La scène conventionnelle
La scène conventionnelle, aussi appelée scène à l’italienne, est la plus fréquente. Elle ressemble à une boîte rectangulaire surélevée à trois côtés – la partie avant forme le « quatrième mur » et consiste en une barrière psychologique entre le public et la scène. On la rencontre souvent dans les salles de spectacles et les écoles.
On a inventé ce genre de scène pour cacher les coulisses, les changements de décor, ainsi que les entrées et les sorties des comédiens. Il est simple d’y concevoir des décors puisque le spectateur se trouve toujours face à la scène.
La scène en rond
La scène en rond (ou arène), la plus ancienne, est ouverte à 360 degrés. Les comédiens jouent au centre, tandis que les spectateurs prennent place tout autour. Cet espace est celui de la rue et des places publiques. Les décors y sont souvent inexistants ou simplement symboliques : quelques accessoires, un arbre, un banc.
La scène en rond impose toutefois certaines contraintes aux comédiens : pas de coulisses, impossible de ne jamais tourner le dos aux spectateurs, entrées et sorties sous les yeux du public.
L’amphithéâtre
L’amphithéâtre (ou théâtre grec) remonte à plusieurs siècles. Cette scène surélevée, dont les trois côtés avant sont occupés par les spectateurs, offre à ces derniers une excellente visibilité.
Dans un amphithéâtre, la grande partie des décors se trouve plutôt à l’arrière de la scène, l’avant-scène ne comportant que quelques éléments. On retrouve des amphithéâtres dans certaines grandes salles et parfois aussi en plein air.
Espace éclaté
Nous parlons d’espace éclaté lorsque toute frontière est abolie : la scène et la salle se confondent en un même lieu. Ce type de scène peut se trouver en plein air, ou même dans une grande salle ou un gymnase.
L’espace éclaté n’implique pas nécessairement un contact direct entre les comédiens et les spectateurs. Il est possible d’y exploiter des jeux forts originaux, tout en conservant une distance psychologique par rapport au public. Par exemple, des personnages dispersés parmi le public « entrent » et « sortent » de façon inattendue; ils s’interpellent d’un bout à l’autre de l’espace de jeu, leur voix planant au-dessus des têtes; ils évoluent en faisant abstraction du public. En général, les spectateurs prennent plaisir à ces surprises, puisque l’action se déroule tout autour d’eux.
Vous avez déjà certainement vos contraintes et vos préférences. Que l’espace dont vous disposez soit vaste et bien pourvu, ou au contraire restreint et peu pratique, exploitez-le avec reconnaissance. Relevez le défi de faire du théâtre créatif là où le Seigneur vous conduit. En toutes choses, glorifiez-le avec l’ouvrage de vos mains!
Voir aussi:
♦ Styles de théâtre et décor
♦ Aires de jeu
♦ Jardin ou cour?
♦ Conseils pour le théâtre de rue
La position face n’est certainement pas une position naturelle pour donner une réplique à un autre compagnon de scène : c’est comme si le comédien s’adressait au mur de son salon – car il existe un « mur », imaginaire, qui vous sépare de la salle. Réservons la position face à une narration s’adressant directement au public, ou encore aux monologues ou à des jeux de scènes particuliers, comme les apartés.
La position un-quart est la plus fréquente durant une discussion ou un débat entre deux personnages. Le corps est légèrement tourné vers le public et un pied est parallèle au mur du fond de la scène. Grâce à cette position, le comédien demeure bien visible et il est en mesure de bien projeter sa voix vers la salle.
Le profil convient aux dialogues plus intenses, car ainsi les personnages se trouvent face à face. Il faut toutefois veiller à maintenir le visage dirigé légèrement vers la salle, où la voix doit se projeter.
La position de dos est plutôt rare. Il s’agit de tourner entièrement le dos et le visage au public. On prend cette position pour créer des effets particuliers ou pour exprimer du mécontentement, de la colère ou de l’indifférence. Le dos peut aussi servir à représenter un retrait symbolique de la scène. Attention : ne jamais parler lorsqu’on a le dos tourné au public.
